Kids, femmes et musées

Pourquoi et comment avec ce livre vos enfants 10 ans + en sauront davantage – et surtout mieux – que nous en 2020 sur les femmes artistes, les collectionneuses et les historiennes de l’art de la fin du XIXe siècle à nos jours.

Sophia Bennett and Manjit Thapp, The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World, London, Tate Publishing, 2019.
Sophia Bennett and Manjit Thapp, ‘The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World’, London, Tate Publishing, 2019 (photo personnelle. août 2020).

Repéré par hasard au rayon « enfants » de la boutique/librairie de la Tate Britain1 entre boîtes de crayons de couleurs et taille-crayons géants, The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World2 est un livre de 112 pages destiné aux « 10 + » qui comporte des qualités indéniables, souvent absentes des publications au sujet similaire destinées au grand public « adulte ».

La structure principale consiste en une succession de notices biographiques d’une trentaine de femmes artistes depuis 150 ans, classées par ordre alphabétique. Une double page de texte écrit par l’autrice jeunesse Sonia Bennett est consacrée à chacune d’entre elles, comportant une reproduction d’une œuvre, souvent extraite des collections de la Tate, et des illustrations  de Manjit Thapp. L’ensemble fonctionne et Bennett évoque d’ailleurs sur son blog le plaisir du travail collaboratif et l’importance de présenter à chaque page des illustrations différentes correspondant à l’univers particulier des artistes. Des mini-entretiens ont été menés avec certaines artistes contemporaines – Cindy Sherman, Yayoi Kusama, Rachel Whiteread ou encore Cao Fei et Lubaina Himid – dans lesquels elles répondent à des questions aussi diverses que « If you could only save one artwork in the world what would it be, and why ? » ou « Why do you think making art is important ? ». Des « icônes » communément citées dès que le sujet des femmes au musée est abordé sont aussi présentes : Judy Chicago et les Guerilla Girls ont ainsi droit à leur mini-interview mais une place est aussi donnée à des artistes comme Sonia Boyce, Fahrelnissa Zeid ou Lynette Yiadom-Boakye.

D’autres doubles pages viennent enrichir le propos, c’est d’ailleurs là que l’ouvrage est pertinent : il donne une vision globale, sans restreindre la question du genre dans le monde de l’art à ces artistes femmes. Des rubriques sont consacrées aux « Pionnières » des périodes antérieures au XXe siècle ou ayant été les premières à utiliser une technique comme c’est le cas de la photographe Julia Margaret Cameron. Sont présentes aussi les collectionneuses ou les galeristes, ainsi que les historiennes de l’art. Dans l’encart « Framing the picture. Critics and curators » on retrouve avec plaisir les courts portraits de Thelma Golden, Linda Nochlin, Lucy Lippard et Laura Mulvey. Il me semble que c’est une chance de pouvoir avoir déjà lu ces noms et quelques informations les concernant avant le Master, tellement on connait l’importance des lectures à cet âge-là. Ce sont des choses qui travaillent et qui refont parfois surface des années plus tard, au détour d’un cours ou d’une lecture. L’agencement de l’ouvrage permet aussi de choisir si l’on souhaite se plonger dans une vie d’artiste ou si l’on préfère picorer des anecdotes « Did you know ? » sur les artistes, ou encore envisager le tout comme un jeu, un quizz étant disponible dans les dernières pages.

L’intérêt de ce livre réside aussi dans son lien avec le musée. En plus « d’inspirer » – un terme discuté plus loin – les adolescent.e.s auxquel.le.s il est destiné, le but est aussi de les inciter à se rendre sur place pour voir « en vrai » ces œuvres, ce qui ne peut d’ailleurs être possible que si elles sont exposées dans les salles de l’institution. Celles des artistes qui apparaissent au sommaire se retrouvent pour la plupart dans les parcours des collections permanentes : en ce moment même, on peut admirer une sélection de tableaux d’Agnes Martin à la Tate Modern ou contempler ceux de Gwen John dans la salle qui lui est réservée à la Tate Britain.

Gwen John (1876–1939), « Autoportrait », 1902, huile sur toile, 44,8 × 34,9 cm, Londres, Tate Britain (photo personnelle, août 2020)

La Tate étant commanditaire de l’ouvrage, il fonctionne donc aussi comme une promotion de sa programmation, ce qui est explicitement indiqué en préambule par sa directrice Maria Balshaw.  Les textes se concentrent ainsi sur des artistes connues du grand public – Berthe Morisot ou Frida Kahlo – mais continuent aussi la mise en valeur dont certaines ont récemment bénéficié à l’occasion d’une exposition (Paula Rego et Natalia Gontcharova), d’une commande (Gilian Wearing qui a réalisé en 2018 la statue de la suffragette Milicent Fawcett à Parlement Square), ou d’un prix (Lubaina Himid, lauréate du Tuner Prize en 2017). 

L’autrice, qui n’est pas historienne de l’art et qui a travaillé avec les équipes de la Tate, revient sur le processus de création du livre sur son blog. Si son interprétation du texte de Nochlin est un peu légère et passe d’abord par le quantitatif, Sophia Bennett a une approche relativement humble et sait s’adresser aux enfants pour les tirer vers le haut sans les prendre pour des bébés. Elle n’essaye pas de « réparer des injustices » de l’histoire de l’art ni de réhabiliter des artistes « injustement méconnues », autant de discours que l’on peut entendre ou lire souvent comme si l’enjeu majeur du travail des historien.ne.s de l’art qui s’intéressent au genre était d’abord d’accomplir une mission justicière. Son but personnel est « d’inspirer » les jeunes – sans distinction de genre dans sa dédicace du livre- et d’en faire des artistes ou des allié.e.s des femmes artistes. Si je suis assez partagée voire peu convaincue concernant la notion même d' »inspiration » qu’elle emploie dans l’ouvrage, je la préfère à « empowerment » qui tend à montrer des jeunes filles ou femmes « badass » dont la vie exceptionnelle serait à imiter, sans pour autant mentionner un contexte social, familial, économique etc. Ici « inspiration » ne fait pas non plus sombrer le propos dans le storytelling ou dans la biographie romancée, des registres déjà bien (trop) représentés par les livres proposés à un public non spécialiste dans les boutiques des musées et ailleurs.    

Pourquoi ce livre « jeunesse » est plus ambitieux et rigoureux que la majorité des ouvrages grand public sur ce sujet qu’on retrouve dans les boutiques des musées et comment cette ambition et cette rigueur sont très faciles à reproduire.

Tout d’abord cet ouvrage évite des écueils qui infantilisent les lecteur.rice.s et les femmes artistes en n’ayant pas recours à la familiarité3. En effet l’autrice utilise le prénom-nom ou juste le nom à la place du prénom seul pour nommer les artistes (on aurait pu s’attendre ici à ce genre de pratique pour créer une proximité ou une identification avec les lecteur.rice.s). Si un ouvrage destiné aux « 10 ans et plus » peut le faire, il est fort probable que l’on puisse s’y tenir aussi pour les textes d’expositions, de documentaires, de catalogues, d’articles et autres supports. J’ai relevé deux exceptions dans les notices d’Ana Mendieta et d’Eileen Agar où trainent dans une phrase un « Ana » et « Eileen » mais ça ne parvient pas à ruiner mon plaisir de pouvoir lire enfin des notices sur Frida Kahlo et Berthe Morisot qui n’emploient pas leur prénom seul.

Cette rigueur est appréciable et se retrouve aussi dans le vocabulaire employé. Le mot « muse » par exemple est utilisé seulement deux fois pour qualifier Patti Smith et Sue Tilley dans la rubrique « Women in the Picture » sur les femmes ayant été des modèles célèbres. Ce mot ne constitue pas la seule focale du discours ni ne se substitue à leur véritable identité puisque sont mentionnées leurs activités respectives. Aucune plasticienne dans sa notice dédiée n’a été mise sous l’appellation « muse mais pas que » et c’est rafraîchissant. L’apport et la présence des hommes dans les vies des ces artistes ne sont ni exagérés ni évacués : Morisot apparait bien aux côtés de Renoir, Monet, Pissarro, et la vie de Gwen John ne s’arrête pas après qu’elle se soit éloignée de Rodin. 

Le ton est juste et l’angle le bon : pas de sensationnalisme ni de martyrologie. Les difficultés des parcours individuels ne sont pas pour autant éludées. Si la souffrance physique de Frida Kahlo est mentionnée, elle ne constitue pas le centre du propos, évitant ainsi la fascination morbide dont la peintre fait souvent l’objet dans de nombreux autres ouvrages. Ce qui m’a particulièrement plu c’est que la réception des œuvres par la critique de leur temps, pour Morisot par exemple, est évoquée et des citations – certes non sourcées mais qui se retrouvent aisément – des artistes permettent aussi d’introduire leur travail facilement, c’est le cas de Doris Salcedo (« Memory is the essence of my work ») ou Ana Mendieta (« My art is the way I re-establish the bonds that unite me to the universe »).

Évidemment tout n’est pas parfait. Marcel Moore (Suzanne Malherbe) apparait en « life-partner » au lieu de « lover » dans la vie de Claude Cahun (Lucie Schwob) – mais c’est aussi le cas de Larionov pour Gontcharova quelques pages plus loin. En revanche le travail collectif des deux artistes est mentionnée et la réflexion sur le genre via la justification des pronoms « she/her » se base sur les écrits en français de Cahun. La citation « Neuter is the only gender that always suits me » est mise en regard de deux illustrations montrant Cahun le crâne rasé, reprises des photos réalisées avec Moore avant la Seconde Guerre mondiale. Il y a des manques qu’on peut juger surprenantes ou non en fonction de ses propres références et goûts personnels. La sélection ne se revendique pas exhaustive et elle suit la collection de la Tate. Pas de double page sur Artemisia Gentileschi ou Vanessa Bell bien qu’elles apparaissent dans les « Pionnières », au même tire que les sculptrices Edmonia Lewis et Elizabeth Catlett. Le livre se concentre sur une période qui s’étend de la fin du XIXe à nos jours. Un autre tome serait le bienvenu pour indiquer que les femmes artistes ne commencent pas à exister au XXe siècle mais qu’on a des traces de leurs œuvres et de leur vie bien avant même le XIXe siècle. Une originalité cependant dans le choix des artistes retenues : je crois que c’est la première fois que je lis un ouvrage qui traite des femmes artistes sans mentionner Camille Claudel ou Rosa Bonheur. Ce qui est bien plus regrettable que leur mise de côté c’est l’éviction de Malow Moss, alors qu’une exposition en co-commissariat avec la chercheuse Lucy Howarth a été présentée à la Tate St Ives et Britain en 2013-2014 et qu’une de ses œuvres est visible dans l’accrochage permanent de l’institution.

Marlow Moss (1889–1958), « Composition en jaune, noir et blanc », 1949, huile et bois sur panneau peint, 50,8 × 35,6 × 0,6 cm, Londres, Tate Modern (photo personnelle. août 2020)

C’est en tout cas un livre qui encourage à creuser, rechercher en ligne plus de détails sur ces vies, sur le sujet et qui incite à se déplacer dans les musées : sont ainsi citées ceux qui sont dédiés à Vanessa Bell et Barbara Hepworth. Cet ouvrage doit aussi sa réussite à la justesse des illustrations qui mettent particulièrement en valeur les artistes et leurs œuvres, dynamisent l’ensemble. Certaines opèrent comme des clins d’œil aux lecteur.rice.s plus averti.e.s; reflétant le travail de documentation sur le sujet en amont. On appréciera notamment dans les marges de la double page dédiée à Kahlo le dessin d’une bombe enrubannée prête à exploser qui rappelle la citation d’André Breton en 1938 : « L’art de Frida Kahlo de Rivera est un ruban autour d’une bombe »4.

Ce livre dépasse son ambition initiale d’inspirer les jeunes via les femmes dans le monde de l’art en devenant un véritable point de départ pour celles et ceux qui souhaiteraient en savoir plus et mieux sur le sujet, âgé.e.s de 10 ans ou de 10 ans plus plus. Il représente un outil intéressant pour préparer et sensibiliser de façon intelligente dès l’adolescence à des problématiques qui ne cessent de prendre de l’ampleur dans le domaine de la culture. 

Cite this article as: Eva Belgherbi, "Kids, femmes et musées", publié sur un carnet genre et histoire de l'art, le 07/08/2020, consulté le [date de consultation], URL https://ghda.hypotheses.org/1106.

 

  1. Cet article n’a absolument pas pour ambition de faire la promotion publicitaire de ce livre. Il n’a pas non plus la naïveté de démontrer que le monde de l’art outre Manche serait fabuleux ou bien mieux que ce qui se fait en France, d’autant plus que l’institution londonienne fait face en ce moment même à d’importantes restrictions budgétaires et licencie de nombreuses personnes. Un appel à la grève a été publié pour la semaine du 17 août, voir ici, ici et cet article. []
  2. Sophia Bennett and Manjit Thapp, The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World, London, Tate Publishing, 2019. []
  3. Il est aussi intéressant de noter que la prochaine exposition de la National Gallery de Londres qui se tiendra cet automne est une retrospective de la peintre Artemisia Gentileschi et s’intitule Artemisia. Il est possible d’y voir de la part de l’institution une volonté de hisser l’artiste au rang de ses homologues masculins Raphael ou Léonard, sans doute à des fins purement commerciaux, sous couvert d’une certaine noblesse d’intention. La fabrique par les institutions  d’un.e génie – comme c’est le cas pour les d’un chef-d’œuvre – via des expositions qui affichent une sorte de mission de « réhabilitation » ou de « redécouverte » a été aussi observée pour d’autres artistes – hommes comme femmes – en France comme au Royaume-Uni. En effet la National Gallery a acquis l’an dernier son autoportrait en sainte Catherine et l’importante stratégie de communication autour de cet évènement a conduit à un engouement particulier du public pour cette peintre, la rendant sans doute plus célèbre que son père Orazio Gentileschi, lui aussi présent sur les cimaises du musée. []
  4. André Breton, « Frida Kahlo de Rivera », 1938, repris in Le Surréalisme et la peinture, Paris, Gallimard, 1965, p. 141-144, cité dans la notice de Didier Schulmann de l’œuvre de Frida Kahlo, The Frame, 1939, huile sur aluminium, 28,5 x 20,7 cm, Centre Pompidou []

Auteur/autrice : Eva Belgherbi

Doctorante en histoire de l'art