Sous le surréalisme battent les recouvertes

“Surréalisme au féminin ?” du 31 mars au 10 septembre 2023 au Musée de Montmartre, à Paris. 

Valentine Hugo, Le Toucan, 27 janvier 1937, huile ou acrylique sur panneau de bois avec inclusion métallique, collection « Mony Vibescu », avril 2023 (c) Eva Belgherbi

Les femmes surréalistes ont été particulièrement présentes ces dernières années dans des expositions temporaires, parmi lesquelles on citera pêle-mêle et entre autres Toyen au musée d’Art moderne de la ville de Paris du 25 mars au 24 juillet 2022, Meret Oppenheim au LAM, du 14 février au 1 juin 2014 à Villeneuve d’Ascq, et Leonora Carrington à la Fondation Mapfre à Madrid du 11 février au 7 mai 2023. À Londres, en 2021, Phantoms of Surrealism à la Whitechapel Gallery explorait le rôle d’artistes telles que Ithell Colquhoun, Diana Brinton Lee et Sheila Legge dans la promotion du surréalisme en Grande-Bretagne. À Venise, lors de la Biennale de 2022, on a pu voir aussi ce regain d’interêt dans le titre The Milk of Dreams emprunté à un livre de Leonora Carrington, elle-même exposée au Pavillon Central avec de nombreuses autres femmes surréalistes.

Cette exposition “Surréalisme au féminin ?” au musée de Montmartre s’inscrit dans cette lignée.

Leonora Carrington, Sans titre, vers 1929, huile sur toile, coll. part. (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

Ces manifestations offrent une occasion de voir ces artistes qui restent peu représentées dans les collections françaises publiques, ou dans les expositions sur le surréalisme : dans celle de 2013 sur le surréalisme et l’objet au Centre Pompidou, à part quelques oeuvres de Meret Oppenheim, Mimi Parent, ou de Valentine Hugo, je ne me souviens pas avoir vu énormément d’objets par des artistes femmes. L’idée d’un courant artistique essentiellement constitué d’hommes – avec/contre André Breton, les querelles internes, etc – persiste sur les cimaises alors même que des travaux fondamentaux menés par des historiennes de l’art ont depuis des années déjà permis de complexifier les questions de genre au sein de cette mouvance surréaliste. Je ne suis absolument pas spécialiste du surréalisme, mais les ouvrages consacrés au genre et au surréalisme écrits par Whitney Chadwick depuis des décennies sont une référence dans ce domaine. Comme à l’accoutumée, on déplore toujours l’absence de traductions en français d’une grande majorité de ses publications, à l’exception de La Femmes dans le mouvement surréaliste (1986 pour l’édition française [Paris, Chêne]). Son livre The Militant Muse. Love, War and the Women of Surrealism [Londres, Thames and Hudson, 2017] mérite à mon avis une attention particulière puisqu’il retrace les liens et les réseaux des femmes ayant touché au surréalisme dans leur carrière, à travers leurs écrits, correspondances, archives, etc. Chaque chapitre est un morceau d’une cartographie plus vaste qui permet, sans faire une histoire de l’art parallèle à celle des hommes artistes, de retisser les fils entre ces femmes, de changer la narration d’un mouvement protéiforme, et de rompre avec la vision phallocentrée1 du surréalisme.

Malgré ces travaux de recherche, la perception dominante du mouvement qui persiste dans l’imaginaire collectif peut se résumer à un schéma assez simple : la célébration des hommes artistes et la victimisation des femmes “muses”, “inspiratrices”, soumises à des désirs masculins. En témoigne l’interprétation de l’affiche de l’exposition “Surréalisme au féminin ?” du musée de Montmartre qui a ouvert le 31 mars. Présente dans les couloirs du métro parisien, elle a suscité quelques remarques et interrogations qui viennent, à propos, révéler les contours indéfinis, flottants, de ce courant, mais aussi de cette exposition.

Affiche de l’exposition reproduisant l’œuvre de Jane Graverol, Le sacre du printemps, 1960, conservée chez RAW (Rediscovering Art by Women) (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

Sur l’affiche, qui reproduit presque en totalité la peinture d’origine, on aperçoit un menton, une cape boutonnée au niveau du cou, et qui laisse apparaitre un sein dénudé sur lequel se penche un oiseau (un corbeau ?). Il s’agit d’une iconographie que l’on a l’habitude de voir dans les œuvres d’hommes surréalistes – par exemple cette couverture Prière de toucher du catalogue Le Surréalisme en 1947 de Marcel Duchamp – et qui pouvait laisser planer le doute : serait-ce un énième morceau de peinture de la part d’un artiste réduisant au statut d’objet les femmes, fétichisant leur corps pour assouvir ses fantasmes masculinistes ? Il s’agit en réalité de l’œuvre de Jane Graverol (1905-1984), qui produit ce style d’images à caractère érotique et dont le nom est mentionné en tout petit, invisible au premier coup d’oeil. Ce choix retenu pour l’affiche nous adresse – en tout cas c’est ainsi que je l’ai compris – la question des regards et de la complexité des discours. Mais est-elle résolue par l’exposition du musée de Montmartre ?

Le titre de l’exposition “Surréalisme au féminin ?” entretient cette ambiguïté puisqu’il s’aventure implicitement vers le peu recommandable domaine du « au féminin ». C’est important qu’il soit suivi d’un point d’interrogation salvateur : peut-être est-ce une promesse de reflexion autour de la signification de cette formule et de la complexité du surréalisme ? Cette ponctuation me rappelle la bonne – malheureusement trop courte et sans catalogue – exposition du musée des Arts décoratifs « Travaux de dames ? » en 2017, même si la comparaison s’arrête là. Cette exposition revenait, à partir de ses collections, sur les origines du musée et de l’implication des femmes dans la promotion et la création des arts appliqués de la fin du XIXe siècle à nos jours. Au musée de Montmartre, il n’est pas vraiment question d’une exposition historique. L’ensemble repose effectivement sur une « hypothèse » – pour reprendre la formule du texte du début du parcours -, sans que l’on sache vraiment ce à quoi elle renvoie véritablement. Le surréalisme est envisagé des années 1930 aux années 2000 alors même que le groupe, dont le Manifeste écrit par André Breton date de 1924, est dissout officiellement en 1969 (d’après ce même texte de salle du début). Dès l’ouverture des portraits photographiques d’artistes femmes nous accueillent, organisés sous forme de frise et accompagnés d’une punchline, pour donner – en tout cas c’est ainsi que je l’interprète – une sorte de polyphonie à l’ensemble. C’est une scénographie bavarde – ce que j’ai bien aimé -, avec des citations de ces artistes ou des extraits de leurs écrits et poèmes, le tout formant un accrochage assez incarné qui permet aussi en creux de deviner la richesse des sources textuelles qu’il faut continuer d’explorer.

Dorothea Tanning (1910-2012), Un tableau très heureux (détail), 1947, huile sur toile, Centre Pompidou, achat de l’Etat en 1968 (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

Au niveau de la médiation, on soulignera que le parcours enfant est aussi utile aux adultes et que des QR codes permettent de consulter des fiches biographiques des artistes exposées. C’est quelque chose que je trouve plutôt malin puisqu’on peut aussi les consulter après la visite sur son portable. En revanche, des problèmes de stagnation et attroupement dans ces espaces assez petits du musée de Montmartre peuvent rapidement apparaître si l’on reste trop longtemps à lire sur son portable (ce qui signifie aussi qu’il faut avoir un smartphone et être à l’aise avec ce genre de technologie). Et en même temps, le dispositif se révèle pratique puisque cela permet de ne pas trop encombrer les murs, tout en introduisant des artistes avec lesquelles les publics ne sont pas toujours familier. C’est d’ailleurs mon cas pour de nombreux noms, même si j’arrive depuis peu à identifier des artistes belges telles que Suzanne van Damme et Jane Graverol grâce à Lyse Vancampenhoudt, doctorante en histoire de l’art à l’ULB, en co-promotion avec les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, qui travaille sur le thème des artistes femmes en Belgique entre 1945 et 1970 et tient un carnet hypothèse sur le sujet.

Suzanne Van Damme, Composition surréaliste (détail), vers 1946, huile sur toile, RAW (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

On suit donc un parcours thématique qui évite l’effet catalogue biographique qu’on avait pu notamment reprocher – au raison – à l’exposition « Elles font l’abstraction » au Centre Pompidou en 2021. Au musée de Montmartre, il y a 50 artistes exposées, quelques 200 oeuvres, ça n’est pas une historiographie que l’on interroge mais une démonstration que l’on met en place à partir d’une sélection de femmes artistes légèrement éloignée de celles que l’on nous présente habituellement : quelques Meret Oppenheim, pas de Frida Kahlo, qui pourtant ont eu un rapport assez compliqué avec les artistes hommes du surréalisme, et elles n’étaient pas les seules. On se souviendra à ce sujet dans l’exposition Frida Kahlo au Palais Galliera cet automne 2022 d’un texte de salle qui soulignait l’agacement de l’artiste envers les surréalistes parisiens. Lors d’une exposition collective à laquelle elle participa en mars 1939 à la galerie Renou et Colle à l’invitation d’André Breton, elle décrit avec ironie le vernissage et “[l]es félicitations de Picasso, Tanguy, Paalen, et d’autres ‘grands cacas’ de surréalisme”. À la condescendance de Breton lors de sa visite au Mexique en 1938, Kahlo répondait par un certain cynisme, toujours en 1939 – “Je préférerais vendre des tortillas par terre au marché de Toluca, plutôt que d’avoir [affaire] avec ces salopes ‘d’artistes’ parisiens”- ce qui ne l’empêcha pas de nouer des liens avec Jacqueline Lamba, elle aussi du voyage et exposée au musée de Montmartre. De même, Meret Oppenheim prend ses distances avec Breton après la recréation de Festin à sa demande dans le cadre de l’exposition E.R.O.S. (Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme) à la galerie Daniel Cordier. L’artiste, dont la première performance de 1959 était d’abord présentée à Berne, a jugé cette représentation parisienne trop voyeuriste et bien loin de l’originale. Elle refusera par la suite d’exposer avec les surréalistes.

Ithell Colquhoun, La Cathédrale engloutie (détail), 1952, huile sur toile, RAW (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

Il y a des absentes donc, mais de toute façon il n’y a pas d’exhaustivité annoncée. Les présentes quant à elles servent une approche particulière du surréalisme construite davantage sur l’analyse formelle et iconographique des oeuvres, que sur une histoire sociale des groupes surréalistes. Les thématiques, autour du corps, des monstres, etc, sont interchangeables, mais c’est la difficulté de l’exercice que de tenter d’ordonner l’inclassable, et cela reste préférable à une succession de biographies d’artistes. Pour rendre le propos accessible, des efforts ont été fait au niveau des cartels qui ne partent pas trop en analyse psycho-érotico-poétique, et ça c’est assez appréciable. On sent que cette sélection d’oeuvres a été dictée par ce que les prêts des collectionneuses et collectionneurs privé·es ont permis. En effet, si elle bénéficie de quelques prêts de musées publics (le musée d’art de Nantes, le Centre Pompidou), les collectionneuses et collectionneurs privé·es, parmi lesquels un mystérieux Mony Vibescu (pseudonyme peu subtil emprunté aux Onze mille verges d’Apollinaire), et RAW sont les principaux prêteurs2. C’est d’ailleurs à mon avis le principal intérêt de cette exposition : montrer au public à Paris dans un lieu certes payant car privé (le musée de Montmartre) des œuvres qui n’ont jamais/rarement été montrées. Je découvre aussi pour ma part l’existence de RAW, Rediscovering Art by Women, une collection d’œuvres par des femmes artistes, surtout surréalistes, qui n’a pas de lieu ouvert au public mais expose dans des musées et institutions au grè des demandes (ici au musée de Montmartre, 10 oeuvres sur 50 sont prêtées par RAW). Elle comporte de nombreuses artistes de nationalités diverses même si j’ai l’impression que les prêts pour “Surréalisme au féminin ?” concernent beaucoup la Grande-Bretagne avec des peintures d’Ythell Colquhoun et de Marion Adnams.

Marion Adnams, A Candle of Understanding in Thine Heart, 1964, collection RAW (c) Eva Belgherbi, avril 2023.
Unes pour toutes ?
Roland Penrose,”Lee Miller, Ady Fidelin, Nusch Éluard et Leonora Carrington, à Mougins”, 1937 (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

Concrètement ici au musée de Montmartre, le sujet des rapports entre les protagonistes du surréalisme en tant que groupes ou même constellations n’est pas véritablement abordé. À certains endroit une histoire collective affleure, dans des vitrines présentant des textes, photos (celle fameuse de Roland Penrose de 1937 avec Lee Miller, Ady Fidelin, Nusch Éluard et Leonora Carrington, à Mougins) et revues auxquelles les artistes et poètesses de l’exposition ont participé. Il y a aussi un mur de portraits photographiques, et même avant tout cela, on commence la visite par une première section intitulée « constellations surréalistes » avec en exergue sur fond bleu canard une citation de Claude Cahun qui a toujours joué avec le tu le je et ici le nous :

« Nous exigeons le rêve, griffe dehors ou patte de velours » (Aveux non avenus, 1930).

L’artiste, dont on retrouve des photos et dessins un peu plus loin, incarne d’ailleurs les limites du sujet : n’aurait-il pas fallu davantage parler de genre au lieu d’utiliser « au féminin » ou « artistes et poètes féminines » [sic] comme on peut le lire dans certains textes ? Car c’est bien cette répartition binaire masculin/féminin que vient aussi interroger et bousculer le surréalisme. Le point d’interrogation du titre de l’exposition, pourtant important, est rapidement évacué. Le surréalisme est plutôt présenté ici comme un esprit qui se décline sous diverses formes et médiums : photos, peintures, petites sculptures, etc3). C’est aussi trop souvent le corps et l’imaginaire qui sont envisagés dans une dimension poétique. On s’éloigne du réel et de ses enjeux par rapport au public et à la place de ces artistes femmes dans leur époque : quid des engagements politiques de ces artistes ou de leur rapport à la critique, que pensaient-elles de cette fameuse étiquette de l'”art féminin” dans le contexte du groupe surréaliste ?

Claude Cahun, Autoportrait avec Marcel Moore et un chat, 1930, mine graphite, aquarelle, gouache sur papier Japon, musée d’art de Nantes (c) Eva Belgherbi, avril 2023.

Il y a aussi des tentatives pour montrer les liens entre ces artistes mêmes si elles ne sont pas assez creusées à mon goût : les constellations créatrices, la création commune et les liens intra-personnels ou d’amitiés auraient pu être davantage appuyés. The Militant Muse de Chadwick montre bien que ces artistes se connaissaient, et existaient hors – et non pas à travers – des hommes qu’elles ont côtoyé.

***

C’est très personnel et je sais bien qu’une exposition n’est pas un livre, mais j’avais soif de ces connections. Sans doute parce que la semaine dernière, au Forum des Images, j’ai vu le court-métrage surréaliste Héroïnes d’Astré Desrives, produit par Bathysphère4, qui relate l’histoire de Claude Cahun et de Marcel Moore lors de leur exil à Jersey pendant la Seconde Guerre mondiale : leur resistance politique, leur création commune de Claude Cahun, l’art dans tout et l’armée des soldats sans nom.

 

  1. Sur le phallocentrisme de l’histoire de l’art voir Creissels Anne, Zapperi Giovanna, “Questions d’identité sexuée : l’histoire refoulée de l’art”, Histoire de l’art, N°63, 2008, pp. 155-162, en ligne. []
  2. L’importance des collections privées s’explique par de nombreux facteurs, mais c’était un phénomène que j’avais aussi pu observer à l’automne 2022, au Hepworth Wakefield où des artistes comme Edith Rimmington et Eileen Agar faisaient partie de l’accrochage ‘When Dreams Confront Reality: The Sherwin Collection’ qui présentait  des œuvres surréalistes – d’hommes et de femmes – issues de la collection de Jeffrey Sherwin, l’une des collections privées sur ce sujet les plus importantes de Grande-Bretagne. []
  3. Il y a aussi un peu de performances évoquées : celles de Hélène Vanel, L’Acte manqué en 1938, de Sheila Legge en 1936, ou encore Sonia Mossé. Pour des raisons de logistique et de gestion des espaces du musée de Montmartre il n’y a qu’une seule salle de projection qui diffuse un extrait de At Land de Maya Deren (1944 []
  4. Le court-métrage n’est pas encore distribué en salle, mais il sera présenté au festival de Pantin, “Côté Court”, qui aura lieu du 7 au 17 juin. []

OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Eva Belgherbi (16 avril 2023). Sous le surréalisme battent les recouvertes. un carnet genre et histoire de l'art. Consulté le 14 juillet 2024 à l’adresse https://doi.org/10.58079/p1nr


Auteur/autrice : Eva Belgherbi

Doctorante en histoire de l'art

Rechercher dans OpenEdition Search

Vous allez être redirigé vers OpenEdition Search