« Peintres femmes, naissance d’un combat (1780-1830) » – quand les œuvres ne suffisent plus

Dans chaque exposition – et c’est bien là l’intérêt – il y a autant de niveaux de lecture que d’individus. Nous sommes libres de visiter un parcours en lisant tous les cartels ou en zappant tout dispositif de médiation. On a le droit de rester mille ans devant une œuvre ou de consacrer 5 secondes à chaque tableau. « Peintres femmes, naissance d’un combat (1780-1830) » présentée au musée du Luxembourg (qui n’a pas de collections permanentes, fait appel à un commissariat extérieur et est géré par la RMN depuis 2010) ne déroge pas à cette règle. On n’est pas obligé de ressortir en ayant « appris quelque chose » ni d’avoir été émue par un seul de ces tableaux. On peut juste avoir passé un moment agréable en compagnie d’ami.e.s, entourée de toiles de la fin du XVIIIe – début du XIXe siècle, sans avoir prêté attention à ces trois grandes salles.

Dans une exposition, on peut se contenter des œuvres.

Mais on peut aussi ne pas avoir envie de s’en contenter.

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Vanessa Bell (1879-1961) – À propos d’une exposition restée dans l’œil

C’était en 2017, c’était le printemps.

Vanessa Bell, Nude with poppies, 1916, huile sur toile, Swindon Museum and Art Gallery (c)

De l’autre côté de la Manche, Vanessa Bell (1879-1961) est d’abord connue comme membre du Bloomsbury Group1 et soeur de Virginia Woolf (1882-1941). Sa maison de Charleston, qu’elle partagea avec le peintre Duncan Grant, donne un aperçu de ses collaborations artistiques mais ne permet finalement pas d’appréhender l’art de Bell indépendamment qui se retrouve noyé dans l’enchevêtrement artistique et intellectuel du groupe. C’est ce constat qui a été le point de départ des commissaires de l’exposition « Vanessa Bell » présentée à la Dulwich Picture Gallery en 2017.

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  1. À propos de l’histoire complexe de ce groupe, voir les ressources proposées sur le site de la Tate. []

Victime de la mode – chronique d’un sujet dit « à la mode »

Tel est son nom de code

L’utilisation de méthodologies issues des études de genre appliquées à l’histoire de l’art pour des périodes antérieures au XXe siècle est souvent réduite en France à la recherche sur les femmes artistes et perçue avec parfois – souvent – une certaine condescendance comme un phénomène nouveau, « à la mode ». Mais de quoi parle-t-on ?

Julie de Graag (1887-1924) « Slowworm », crayon, pinceau et stylo noir, Rijksmuseum

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Expositions de femmes artistes en France : stop ou encore ?

Plusieurs expositions plus ou moins en rapport avec ce thème – en est-ce vraiment un ? – devraient ouvrir bientôt (🤞) à Paris (Elles font l’abstraction et Peintres femmes. Naissance d’un combat 1780-1830), à Nice (Les Amazones du POP 1961-1973), à Bourg-en-Bresse (Suzanne Valadon et ses contemporaines, peintres et sculptrices 1880-1940), à Poitiers (L’amour fou ? Intimité et création, 1910-1940). Les deux dernières ont fait d’abord étape respectivement à Limoges et à Quimper. Compte tenu de la crise sanitaire et de la fermeture des musées (une situation qui dure depuis le 30 octobre 2020), la première n’a pas été ouverte au public et la seconde a tenu deux semaines.

photo personnelle, 2007, Eva Belgherbi (c)

En attendant de pouvoir remettre les pieds dans une salle d’exposition, j’ai tenté un bilan – « calmement » – sur les expositions d’artistes femmes, surtout celles qui concernent la période avant les années 1960, beaucoup plus rares.

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En regardant le film sur l’Union des Femmes Peintres et Sculpteurs (UFPS) réalisé par Catherine Gonnard et Anne-Marie Gourier (2007)

Samedi soir dans le cadre du colloque organisé par Les Jaseuses intitulé « Constellations créatrices : héritages et réseaux féminins / queer » (dont la troisième et dernière partie se déroulera samedi 6 février en ligne, accompagnée par l’expo « Retracer notre ciel » de l’Atelier Corps, genre et arts), les participant.e.s ont eu l’occasion de visionner le film de Catherine Gonnard et Anne-Marie Gourier sur l’Union des Femmes Peintres et Sculpteurs (UFPS) (2007) grâce à la mise à disposition du lien par Nicole Fernandez Ferrer du Centre Simone de Beauvoir.

Hélène Bertaux travaillant au modèle de la fontaine Herbet, photographiée par Étienne Carjat en 1864, Paris, Bibliothèque nationale de France (source Wikipédia)

Il faut absolument le voir.

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Une année de femmes artistes (2019-2020)

Dans des expositions, dans les accrochages des collections permanentes, dans un atelier-maison : compilation d’une sélection non-exhaustive et subjective des œuvres de femmes artistes vues d’octobre 2019 à octobre 2020.

Käthe Kollwitz, At the Church Wall (An der Kirchenmauer) (détail), 1893, (photo personnelle)

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Dior, Judy Chicago et Linda Nochlin

Retour sur l’installation The Female Divine de Judy Chicago pour le défilé Dior au musée Rodin, Paris, accessible au public du 21 au 26 janvier 2020.

Vue extérieure de « The Female Divine » de Judy Chicago, jardin du musée Rodin, Paris, 21 janvier 2020 (c) Eva Belgherbi

Connue pour The Dinner Party, 1974-1979, exposé au Brooklyn Museum, l’artiste Judy Chicago a créé l’installation The Female Divine pour abriter le défilé Dior qui a eu lieu le 20 janvier 2020 dans le jardin du musée Rodin à Paris. 

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Le label « Femme Artiste » – bingo

Je me souviens de l’exposition Paula Modersohn-Becker au musée d’art moderne de la ville de Paris en 2016 qui m’a fait découvrir cette artiste dont j’ignorais alors l’existence. J’avais lu les articles parus dans la presse qui employaient des éléments de langage que j’ai ensuite retrouvé dans beaucoup de papiers ou documentaires qui traitaient d’artistes bien différentes de Paula Modersohn-Becker et opéraient ainsi comme des générateurs automatiques de récits de femmes artistes.

Paula Modersohn-Becker, « Autoportrait aux camélias », 1907, huile sur toile, 62 × 31 cm, Essen, musée Folkwang (source wikipedia)

 

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Kids, femmes et musées

Pourquoi et comment avec ce livre vos enfants 10 ans + en sauront davantage – et surtout mieux – que nous en 2020 sur les femmes artistes, les collectionneuses et les historiennes de l’art de la fin du XIXe siècle à nos jours.

Sophia Bennett and Manjit Thapp, The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World, London, Tate Publishing, 2019.
Sophia Bennett and Manjit Thapp, ‘The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World’, London, Tate Publishing, 2019 (photo personnelle. août 2020).

Repéré par hasard au rayon « enfants » de la boutique/librairie de la Tate Britain1 entre boîtes de crayons de couleurs et taille-crayons géants, The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World2 est un livre de 112 pages destiné aux « 10 + » qui comporte des qualités indéniables, souvent absentes des publications au sujet similaire destinées au grand public « adulte ».

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  1. Cet article n’a absolument pas pour ambition de faire la promotion publicitaire de ce livre. Il n’a pas non plus la naïveté de démontrer que le monde de l’art outre Manche serait fabuleux ou bien mieux que ce qui se fait en France, d’autant plus que l’institution londonienne fait face en ce moment même à d’importantes restrictions budgétaires et licencie de nombreuses personnes. Un appel à la grève a été publié pour la semaine du 17 août, voir ici, ici et cet article. []
  2. Sophia Bennett and Manjit Thapp, The Bigger Picture, Women Who Changed the Art World, London, Tate Publishing, 2019. []

Ce carnet « Genre et histoire de l’art » soutient la grève

Opposé à la réforme des retraites et à la loi de programmation pluriannuelle de la recherche (LPPR) par solidarité avec tou.te.s les travailleur.se.s en lutte, ce carnet de recherche rejoint la mobilisation en cours dans l’enseignement supérieur et la recherche, ainsi que l’appel des travailleuses et travailleurs du numérique.

 

Eva Belgherbi, doctorante en histoire de l’art et administratrice de ce carnet « Genre et histoire de l’art » en désaccord avec les réformes en cours dans l’enseignement, du secondaire, et dans le supérieur.

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Visite au Louvre de la salle Elisabeth Vigée-Lebrun (2019)

Salle 933 

La notion d’universel, censée lisser les différences afin d’atteindre le général, envisagé au masculin, est souvent garant du scientifique et de sérieux. Lorsqu’il s’agit des femmes et de leurs créations plastiques ou littéraires, il est fréquent de rapprocher leurs productions de l’intime, de l’intériorité, du singulier, qui menacerait par son aspect présupposé « minoritaire », voire « communautaire », le mythe de l’universalité. Le masculin l’emporte, on le voit dans la grammaire française, aussi dans la façon d’écrire l’histoire de l’art1 et de présenter un discours qui se veut scientifique, où les femmes, souvent réduites à la femme, représentent une rupture, une exception, et se retrouvent dans l’anecdote ou les notes de bas de page dans certains récits.  

Elisabeth Vigée-Lebrun, « Souvenirs », Paris, Charpentier, 1869, t. 1.

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  1. Voir à ce sujet Anne Creissels, Giovanna Zapperi, « Questions d’identité sexuée : l’histoire refoulée de l’art », Histoire de l’art, 2008, 63, p. 155-162; M. Fend, M. Hyde, A. Lafont, « Introduction — Rendre à Cléopâtre… : art, genre et historiographie », dans M. Fend, M. Hyde, A. Lafont (dir.), Plumes et Pinceaux, Discours de femmes sur l’art en Europe (1750-1850) — Essais, Dijon/Paris, Presses du réel/INHA (« Actes de colloques »), 2012. []

Louvre : le genre à l’épreuve du projet universel

L’objectif de ce parcours était de montrer et rendre accessible une histoire de l’art qui tient compte de l’histoire sociale, des représentations et des constructions de genre, via des œuvres (de femmes artistes et hommes artistes). À Londres, des parcours dans les collections permanentes de la Tate Britain, qui peuvent se faire avec un médiateur ou une médiatrice ou seul·e grâce à un plan distribué gratuitement à l’entrée des salles, proposent de nouvelles clefs de lecture des oeuvres comme le parcours Queer Walk Through British Art, qui couvre une période chronologie large du XVIIe au XXe siècle.  De même, des visites de trente minutes autour des oeuvres de femmes artistes du musée sont proposées gratuitement aux visiteurs et visiteuses deux fois par semaines, avec des thèmes renouvelés tous les quatre mois, jusqu’en décembre 2019. 

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Genre, femmes artistes et collections permanentes de cinq musées parisiens

Au printemps 2018, j’ai eu l’opportunité de proposer un cycle de visites sur le genre au musée pour des auditeurs et auditrices libres de l’institution parisienne dans laquelle je suis inscrite en doctorat. J’avais envie de lier mes pratiques de recherche académique aux musées qui me sont familiers et de confronter l’aspect plus théorique de mon travail aux collections, aux objets. Ce cycle de cours devant les œuvres a été accueilli avec enthousiasme, son aspect inédit dans la programmation le rendant attrayant à plusieurs niveaux. L’enjeu était d’aborder les accrochages des collections permanentes des institutions via le genre, d’imaginer une sorte de laboratoire pour chaque séance, en fonction des œuvres analysées, pour rafraichir un regard et engager, parfois, des discussions avec les participant.e.s. L’idée était relativement simple puisqu’il s’agissait d’arpenter les salles en s’intéressant au discours muséographique et de repérer les problématiques de genre qui pouvaient éventuellement s’offrir aux visiteurs et visiteuses. 

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